Simply put, for me the process of creative artistic endeavors involves the constant exploration of intuitive approaches to alternative ways of «seeing» combined with technical exercises (both accepted and experimental). With several centuries of recorded art history now available as a learning resource and guide, the predilection to limit oneself to long-established styles, genres and motives is often overbearing. It has often been said that all has been done before, and indeed the history of Art is evidence of a dance that is two steps forward and one step back — with each new style yearning to establish itself as “the new original style or genre”.
But what impulses are commonalities in the process of creating Art — i.e. beyond established academic and technical norms? What is it that makes one particular work of Art so encaptivating that it is difficult to get out of our minds? Is there not some primeval instinct that is awakened — perhaps a recognition deep inside? Something that is far more basic and powerful than iconic and archetypal images such as Biblical scenes, the Madonna, or Marilyn Monroe? And is this primordial energy present within the artist whilst these powerful works of art are being made? Oftentimes such works seem to be « guided », divinely inspired; and that they almost paint/create themselves. Almost as if an ingenious idea jumps out at us … or that the « luck » of the Universal providence brings everything together, magically, suddenly and spontaneously.
And how does the Artist access this primordial energy source? Some decades ago scans of old paintings revealed background sounds embedded in the painted layers. Will we one day be able to research, measure and compare energy output differences from certains works of art? When artists tap into that primordial energy source, how does it feel — excited, a warm burning, joyful, passionate… perhaps an active combination on a short continuum? And is this energy present in all genres and styles of Art? Nature landscapes and figurative works often feel “inspired”. But what about primitive art and some abstract art (eg. works by Rothko, Picasso, Pollack etc., or even in musical works by Philip Glass and Meredith Monk?
Many artists over time have employed shamanic rituals, hallucinogens and drugs, alcohol, Kundalini yoga, prayer, chanting, meditation, sex rituals, primal therapy, out of body travel, background music, etc. to attempt to access their primodial energies. And those practices are still explored and practiced today: https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-shamanic-practices-making-comeback-contemporary-art
The mysterious gaze of the Mona Lisa has been explained as a technical effect, but the decisions by the artist involving both the figurative and landscape elements create a subjective overall effect that feels “other-worldly” and which cannot be wholly explained by the subject’s gaze and the technique used. Here DaVinci has – in my opinion – tapped into a primordial source, and achieved much more than a portrait of the subject. He has created an experiential bridge to the Common Viewer, and an unforgettable recognition of something so personally identifiable that it is unforgettable. Even works by lesser-known and less technically adept artists than the Great Masters sometimes achieve a similar effect as regards primordial recognition. The fact that few (if any) artists have fully replicated that effect from one work of art to the next suggests that this inspiration is a phenomenon, rather than perfection of style and technique.
Most artists are in and out of “the zone” while both away from and in front of the canvas. Although much of my painting ideas and planning takes place before I actually move from preliminary sketches to actual painting, I do enter another world/another state of mind when painting. There ideas, conversations in my head, constant experimenting and decisionmaking coalesce with “automatic painting” — where the body and less-structure mind move of their own accord in an exciting state of paranormality. Of course, translating these ideas and impulses into proper two-dimensional images that can open the passageway to the Viewers’ own primordial recognition requires a solid mix of technical experience and expertise. But we learn from one artwork to the next, and newly-learned techniques are incorporated or at least considered in subsequent works. In this way, each work of art in progression is a continuation of one’s magical dance in and out of a primordial subconscious.
“FADING FACES”, Karl-Kristian Jahnsen Hus nuova mostra fotografica d’arte in collaborazione con Silk Agency (Norvegia). FADING FACES consiste in 25 ritratti di scimmie di grande formato, 20 dei quali sono in bianco e nero e 5 a colori. Le opere sono esposte principalmente nel formato 200 x 133 cm, ma tutte sono disponibili anche in un formato più piccolo (133 x 88 cm). Le opere sono datate dal 2017 al 2021 – quindi rappresentano quattro anni di lavoro sul campo e nello studio/laboratorio dell’artista. Le opere sono in edizioni di 5 e 11; con i corrispondenti prezzi 2021 di NOK55.000,- e NOK18.000,- Questa mostra è stata aperta in una galleria Pop-up in Henrik Ibsensgate 40 a Oslo, concettualizzata e guidata da Silk Agency. Il periodo attuale della mostra è dal 29.10.21 al 21.11.2021.
INTERVISTA CON KARL-KRISTIAN JAHNSEN HUS (ARTISTA). Domande dell’intervista poste da Adam Donaldson Powell (artista/autore/critico – Norvegia) e Katya Ganeshi (autore/artista/attivista dei diritti degli animali – Russia).
ADP: Buongiorno! Questa mostra è affascinante – sia in termini di argomento e idee dietro la mostra, sia per la quantità e la qualità del lavoro artistico che vi è stato dedicato. Io e Katya vorremmo porvi alcune domande. Karl-Kristian, puoi parlarci del tuo processo per quanto riguarda questo progetto artistico … Qual è stato l’impulso, come hai pianificato ed eseguito il viaggio, le collaborazioni e i permessi per fotografare questi bellissimi animali? E qual è l’intenzione della mostra? E’ una mostra di insegnamento e di apprendimento sociale oltre che una mostra delle tue idee e capacità creative?
KKJH: Ho sempre avuto una profonda connessione con la natura. La forza principale che mi ha fatto iniziare questo progetto specifico è stata la visione di un documentario intitolato “Virunga National Park”. Ascoltare le storie dei ranger e sentirli dire: “Sono disposto a sacrificare la mia vita per il parco nazionale e gli animali che vivono qui” mi ha colpito profondamente. Prima di viaggiare, trovo qualcuno del posto che può portarmi in giro per la contea che sto visitando, creiamo un piano per il viaggio, e poi ci vado. Per la mia installazione artistica “Fading Faces” ho catturato immagini da cinque paesi diversi, mostrando volti di animali in cui l’uomo-animale si riconosce facilmente: le scimmie. L’installazione artistica è fatta per aiutare l’uomo-animale ad aprire il suo cuore al mondo vivente che lo circonda. È una combinazione di insegnamento per l’apprendimento sociale e di mostrare le mie idee e capacità creative. Personalmente, sento che l’arte dovrebbe dare ai partecipanti qualcosa a cui pensare e sentire.
ADP: Hai qualche storia o aneddoto da questo processo di quattro anni – riguardo a sfide e difficoltà, esperienze sorprendenti o divertenti? Per favore, parlaci di alcune di queste.
KKJH: Quando si fotografa si può essere consumati dal processo, volendo sempre ottenere il meglio che si può fare. Quando ho iniziato il progetto la mia attenzione era rivolta a catturare le migliori espressioni in assoluto che potevo ottenere, ma questa attenzione non mi ha permesso di godermi il momento. La mentalità di criticare sempre se stessi, e di non essere soddisfatti di ciò che avevo a volte mi dava la sensazione di annegare. Così mi sono permesso di fare un passo indietro e di osservare di più, permettendomi così di essere più giocoso. Questo mi ha dato molta gioia e credo che mi abbia reso un fotografo migliore. Ho avuto molte esperienze meravigliose mentre viaggiavo, e superano quelle negative. Molte situazioni sono state spaventose: come essere caricato da due grandi silverback o avere un grande maschio di orangutan che si dondola da un albero e cerca di afferrarmi. Ora, guardando indietro, le considero tutte belle storie.
ADP: C’è stato molto dibattito negli ultimi anni riguardo a varie questioni etiche in relazione all’uso di animali (vivi e morti) da parte degli artisti nelle mostre d’arte. Questa particolare mostra abbraccia la responsabilità sociale e l’etica del “non fare danni”, per cui né gli animali né i loro ambienti sono stati danneggiati o influenzati negativamente. Puoi parlarci della tua etica/politica artistica e sociale riguardo alla questione dell’uso degli animali nell’arte? Non si tratta forse di permettere agli animali di insegnare all’uomo a rispettare meglio gli altri animali, i nostri habitat condivisi e non condivisi… e infine a salvare tutte le specie, compresi gli uomini stessi? Parla liberamente, come artista e come amante degli animali.
KKJH: Per me lo specismo informa la mia pratica. L’obbligo morale e il rispetto per la vita sono essenziali nelle mie opere. Molta della mia arte – non solo la mia fotografia – incoraggia una maggiore consapevolezza verso il mondo naturale. Gli animali e la natura sono stati davvero una fonte di ispirazione per gli artisti attraverso i secoli. Penso che dobbiamo guardare alla creazione di arte che include animali non umani in modo etico. Proprio come con l’arte che include l’animale-uomo, ci sono molte cose che gli artisti non farebbero perché è inumano. Mi sembra che alcuni artisti non sempre si prendano cura e rispettino il contenuto che viene mostrato nella loro arte; ma questo è forse solo un riflesso della brutalità delle società umane verso il pianeta. Questa mancanza di obblighi morali potrebbe essere la ragione per cui l’artista può a volte sembrare una persona crudele e selvaggia. O può essere che uno cerchi di rispecchiare la mancanza di empatia della specie umana verso il mondo vivente. Alla fine, come creatore d’arte, bisogna considerare ciò che è eticamente giusto e non.
ADP: Lei ha scelto principalmente di fare questi ritratti in bianco e nero. Personalmente ritengo che il ritratto in bianco e nero sia spesso molto efficace nella ritrattistica, in quanto aggiunge mistero, soggettività e intimità al momento catturato. Ma perché tu – l’artista – hai scelto principalmente la fotografia in bianco e nero per questa serie? Quali macchine fotografiche e obiettivi hai usato? Quanto sei stato in grado di avvicinarti agli animali e dove sono state scattate queste foto?
KKJH: Penso che gli standard accettati di come una fotografia “dovrebbe” essere mostrata ci hanno informato nel modo di scegliere il classico bianco e nero. La fotografia ha impiegato molto tempo per essere accettata nel mondo dell’arte. Poiché il formato bianco e nero è stato il primo ad arrivare, apparentemente ha più valore per alcuni che per altri. Attraverso questo viaggio di quattro anni nella fotografia, ora mi vedo godere molto di più della fotografia a colori, e solo dopo essere stato introdotto alla fotografia analogica ho cominciato ad amare la fotografia a colori. I vecchi maestri della fotografia pensavano che il bianco e nero fosse il modo per mostrare l’anima, e che il colore non potesse farlo. Questo può essere difficile da contestare quando si è imparato e si pensa che sia un dato di fatto. Le fotografie che mostrano le anime degli animali che ho incontrato sono ciò che si vedrà nell’installazione. Ho selezionato quattro fotografie a colori, due scattate con una macchina digitale e due con una pellicola di medio formato. Per me, la vibrazione del colore è un aspetto importante della verità e dell’espressione artistica, e sto ancora imparando come le diverse persone percepiscono le immagini a colori in contrasto con quelle in bianco e nero. Il mio obiettivo è quello di mostrare di più di ciò che personalmente amo, attraverso le mie fotografie … e le immagini a colori sono alcune delle preferite agli occhi dei visitatori. Per l’installazione ho usato quattro diverse macchine fotografiche. Ho iniziato con una Canon 5D Mark iii, prima di investire in una Canon 1DX Mark ii, una Leica M10 e una Mamiya afd645. C’è stata una varietà di obiettivi utilizzati, la mia scelta principale è stata un Canon EF 28-300mm, in quanto la costruzione e la funzione mi piace. Le 25 diverse fotografie sono state scattate in Etiopia, Uganda, Ruanda, Tanzania e Indonesia. Il livello di professionalità che circonda il governo dei diversi parchi nazionali è variato, e ci sono regole in atto per quanto riguarda il modo in cui si dovrebbe agire intorno a questi animali selvatici. Ci si può avvicinare, ma non troppo, sia per la sicurezza degli animali che per la propria. Si possono trasmettere malattie tra di loro. A volte il limite della distanza viene infranto, per esempio quando un giovane gorilla mi ha dato un pugno giocoso nelle costole.
ADP: Qual è l’effetto sperato di questa mostra? E dove speri di portarla in futuro?
KKJH: L’obiettivo è quello di aprire la mente e il cuore delle persone al mondo vivente che ci circonda. Voglio mostrare l’installazione a quante più persone possibile, e mi interessa di più l’impatto che ha piuttosto che vendere completamente la serie di fotografie. Ho ricevuto molti feedback positivi dalle persone che hanno visitato la mostra.
ADP: E ora, Katya Ganeshi, la mia collega in Russia ha alcune domande da farti, Karl-Kristian.
KG: Come si può cambiare il pensiero umano con l’aiuto delle scimmie (e di altri animali)?
KKJH: Per esempio: il costrutto del maschio alfa nella società umana, dove si deve essere forti, senza paura, spietati e non connessi con ciò che è considerato femminile è diverso in altri gruppi di animali. Quando ho sperimentato gli scimpanzé ho visto (ovviamente) il lato che noi umani chiamiamo alfa. Tuttavia, questo è solo un lato dell’essere il leader del gruppo; uno deve anche essere amorevole e prendersi cura degli altri nel gruppo. Per me questa è la vera forza.
KG: Il pensiero delle scimmie può superare il pensiero umano in futuro?
KKJH: Se la società come la conosciamo fallisce e non abbiamo più un sistema da cui dipendere per la nostra sopravvivenza, molti di noi moriranno di fame perché il cibo non potrà più essere ottenuto nei negozi. Dovremo allora tornare alle nostre radici: essere cacciatori-raccoglitori che vivono della terra. Ad oggi la maggior parte degli esseri umani non è in grado di svolgere il compito di nutrirsi senza le comodità della nostra società. Quando poi guardiamo al regno animale possiamo vedere che sono in grado di sostenersi da soli, e penso che abbiamo molto da imparare da loro quando si tratta di vivere con la natura invece di distruggerla.
KG: Il filosofo Bruno Latour considera gli scienziati moderni come “selvaggi e barbari”. Condivide la sua opinione?
KKJH: Purtroppo si fa molto male in nome della scienza “per il bene dell’umanità”. Giocare a fare gli dei e danneggiare la vita con questa giustificazione è un sicuro segno di specismo.
ADP: Grazie Karl-Kristian, Jesper e Katya. Katya e io auguriamo il miglior successo per questa importantissima mostra.
Karl-Kristian J. Hus è cresciuto su una piccola isola chiamata Bjorøy sulla costa norvegese alla periferia di Bergen. Esplorare il campo della fotografia d’arte mentre lavorava come falegname e sviluppare costantemente relazioni e interesse nell’oggetto della natura e degli animali, gli ha dato una sensazione unica. Dopo aver utilizzato un’ampia selezione di mezzi per migliorare questa abilità, ora sta immergendo la sua esperienza attraverso la scuola di arti visive in Australia.
ENTREVISTA CON KARL-KRISTIAN JAHNSEN HUS (ARTISTA).
Preguntas de la entrevista realizada por Adam Donaldson Powell (artista/autor/crítico – Noruega) y Katya Ganeshi (autor/artista/activista de los derechos de los animales – Rusia).
ADP: ¡Hola! Se trata de una exposición fascinante, tanto por su temática e ideas como por la cantidad y calidad de las obras. Katya y yo queremos hacerle algunas preguntas. Karl-Kristian, ¿puede hablarnos de su propio proceso en relación con este proyecto artístico? ¿Cuál fue el impulso, cómo planificó y ejecutó los viajes, las cooperaciones y los permisos para fotografiar a estos hermosos animales? ¿Y cuál es la intención de la exposición? ¿Es una exposición de enseñanza y aprendizaje social, además de una exposición de sus ideas y habilidades creativas?
KKJH: Siempre he tenido una profunda conexión con la naturaleza. Fue el visionado de un documental titulado “Virunga National Park” lo que me inspiró a embarcarme en este proyecto concreto. Escuchar las historias de los guardabosques y oírles decir “estoy dispuesto a sacrificar mi vida por el parque nacional y los animales que lo habitan” me impactó profundamente. Antes de viajar, busco a alguien de la zona que pueda llevarme al país que voy a visitar, hacemos un plan de viaje y me voy. Para mi instalación artística “Fading Faces”, capturé imágenes de cinco países diferentes, mostrando rostros de animales con los que el humano-animal se identifica fácilmente: los monos. La instalación artística está diseñada para ayudar al hombre-animal a abrir su corazón al mundo vivo que le rodea. Es una combinación de enseñanza del aprendizaje social y de demostración de mis ideas y habilidades creativas. Personalmente, creo que el arte debe dar a los participantes algo que pensar y sentir.
ADP: ¿Tiene alguna historia o anécdota sobre este proceso de cuatro años, sobre los retos y dificultades, las experiencias sorprendentes o divertidas? Háblenos de algunos de ellos.
KKJH: Cuando estás fotografiando, puedes quedar absorto en el proceso, siempre queriendo sacar lo mejor de lo que puedes hacer. Cuando empecé el proyecto, me centré en capturar las mejores expresiones posibles, pero eso no me permitió disfrutar del momento. La mentalidad de criticarme siempre y de no estar contenta con lo que tenía a veces me hacía sentir que me ahogaba. Así que me permití dar un paso atrás y observar más, permitiéndome ser más juguetón. Esto me dio mucha alegría y creo que me hizo mejor fotógrafo. He tenido muchas experiencias maravillosas mientras viajaba, y son más que las malas. Muchas situaciones fueron aterradoras, como ser embestido por dos grandes espaldas plateadas o que un gran orangután macho se columpiara desde la copa de un árbol e intentara agarrarme. Ahora, mirando hacia atrás, creo que todas esas son buenas historias.
ADP: En los últimos años ha habido muchos debates sobre las cuestiones éticas que rodean el uso de animales (vivos o muertos) por parte de los artistas en las exposiciones de arte. Esta exposición se inscribe en el marco de la responsabilidad social y la ética de “no hacer daño”, lo que significa que ni los animales ni su entorno han sido perjudicados o influenciados negativamente. ¿Puede hablarnos de su propia ética/política artística y social en relación con el tema de la utilización de animales en el arte? ¿No se trata de que los animales enseñen a los humanos a respetar mejor a otros animales, nuestros hábitats compartidos y no compartidos… y, en última instancia, a salvar a todas las especies, incluidos los humanos? Habla libremente, como artista y como amante de los animales.
KKJH: Para mí, el especismo informa mi práctica. La obligación moral y el respeto a la vida son fundamentales en mi trabajo. Gran parte de mi arte – no sólo mi fotografía – fomenta una mayor conciencia del mundo natural. Los animales y la naturaleza han sido una fuente de inspiración para los artistas a lo largo de los siglos. Creo que debemos considerar la creación de obras de arte que incluyan animales no humanos de forma ética. En cuanto al arte que incluye al animal humano, hay muchas cosas que los artistas no harían, porque son inhumanas. Me parece que algunos artistas no siempre cuidan y respetan el contenido de sus obras, pero esto puede ser sólo un reflejo de la brutalidad de las sociedades humanas hacia el planeta. Esta falta de obligación moral podría ser la razón por la que el artista puede parecer a veces una persona cruel y salvaje. También puede ser que intente reflejar la falta de empatía de la especie humana hacia el mundo vivo. Al final, como creador de arte, tienes que considerar lo que es éticamente correcto y lo que no.
ADP: Ha optado principalmente por hacer estos retratos en blanco y negro. Personalmente, creo que el retrato en blanco y negro suele ser muy efectivo en el retrato, ya que añade misterio, subjetividad e intimidad al momento capturado. Pero, ¿por qué, como artista, eligió principalmente la fotografía en blanco y negro para esta serie? ¿Qué cámaras y objetivos has utilizado? ¿Cómo de cerca pudo acercarse a los animales y dónde se tomaron estas fotografías?
KKJH: Creo que las normas aceptadas sobre cómo se “supone” que debe presentarse una fotografía nos llevaron a elegir el clásico blanco y negro. La fotografía tardó mucho tiempo en ser aceptada en el mundo del arte. Como el formato en blanco y negro fue el primero en llegar, aparentemente tiene más valor para unos que para otros. Durante esos cuatro años de fotografía descubrí que apreciaba mucho más la fotografía en color, y sólo después de iniciarme en la fotografía analógica empezó a gustarme la fotografía en color. Los antiguos maestros de la fotografía pensaban que el blanco y negro era la forma de mostrar el alma, y que el color no podía hacerlo. Puede ser difícil argumentar en contra de esto, ya que se ha enseñado y se piensa que es un hecho. Las fotografías que muestran las almas de los animales que he encontrado son las que se verán en la instalación. He seleccionado cuatro fotografías en color, dos tomadas con una cámara digital y otras dos con película de formato medio. Para mí, la vitalidad del color es un aspecto importante de la verdad y la expresión artística, y todavía estoy aprendiendo cómo perciben las personas las imágenes en color en comparación con las imágenes en blanco y negro. Intento mostrar más de lo que me gusta personalmente, a través de mis fotografías… y las imágenes en color son algunas de las más apreciadas por los visitantes. Para esta instalación he utilizado cuatro cámaras diferentes. Empecé con una Canon 5D Mark iii, antes de invertir en una Canon 1DX Mark ii, una Leica M10 y una Mamiya afd645. Utilicé una gran variedad de objetivos, siendo mi principal elección el Canon EF 28-300mm, con el que estoy contento en términos de diseño y función. Las 25 fotos diferentes fueron tomadas en Etiopía, Uganda, Ruanda, Tanzania e Indonesia. El nivel de profesionalidad que rodea a la gestión de los distintos parques nacionales ha variado, y existen normas sobre cómo hay que comportarse con estos animales salvajes. Puede acercarse, pero no demasiado, por la seguridad de los animales y la suya propia. Podemos transmitirnos enfermedades entre nosotros. A veces se cruza la línea de la distancia, por ejemplo cuando un joven gorila me golpeó juguetonamente en las costillas.
ADP: ¿Cuál es el efecto que se pretende con esta exposición? ¿Y a dónde espera llevarla en el futuro?
KKJH: El objetivo es abrir la mente y el corazón de la gente al mundo vivo que nos rodea. Quiero mostrar la instalación al mayor número de personas posible, y me preocupa más el impacto que tendrá que vender la serie de fotografías por completo. He recibido muchos comentarios positivos de las personas que han visitado la exposición.
ADP: Y ahora Katya Ganeshi, mi colega en Rusia, tiene algunas preguntas para ti, Karl-Kristian.
KG: ¿Cómo se puede modificar el pensamiento humano con la ayuda de los monos (y otros animales)?
KKJH: Por ejemplo, la construcción del macho alfa en la sociedad humana, donde hay que ser fuerte, intrépido, despiadado y ajeno a lo que se considera femenino, es diferente en otros grupos animales. Cuando conocí a los chimpancés, vi (por supuesto) el lado que los humanos consideramos alfa. Sin embargo, éste es sólo un aspecto de ser un líder de grupo; también hay que ser cariñoso y atento con los demás miembros del grupo. Para mí, esa es la verdadera fuerza.
KG: ¿Puede el pensamiento de los simios superar al de los humanos en el futuro?
KKJH: Si la sociedad tal y como la conocemos se derrumba y ya no tenemos un sistema en el que confiar para nuestra supervivencia, muchos de nosotros moriremos de hambre porque ya no habrá comida en las tiendas. Entonces tendremos que volver a nuestras raíces: ser cazadores-recolectores que viven de la tierra. En la actualidad, la mayoría de los seres humanos no son capaces de alimentarse sin las comodidades de nuestra sociedad. Si nos fijamos en el reino animal, vemos que son capaces de mantenerse a sí mismos, y creo que tenemos mucho que aprender de ellos cuando se trata de vivir con la naturaleza en lugar de destruirla.
KG: El filósofo Bruno Latour considera que los científicos modernos son los mismos “salvajes y bárbaros”. ¿Compartes su opinión?
KKJH: Por desgracia, se hace mucho daño en nombre de la ciencia “por el bien de la humanidad”. Jugar a ser dioses y perjudicar la vida con esta justificación es un signo seguro de especismo.
ADP: Gracias Karl-Kristian, Jesper y Katya. Katya y yo le deseamos el mayor éxito para esta exposición tan importante.
Oso Para Vos 
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